Rolland Garros 2020: L’Histoire D’Une Petite Balle Emblématique

C’est elle qui va une fois de plus captiver toute l’attention, certes un brin différemment cette saison — l’histoire de cette petite balle devenue jaune est aussi celle d’un sport, le tennis, devenu un sport très populaire ! 

Pourquoi La Balle de Tennis Est-Elle Jaune?

Entre les premières balles en étouffe de laine et la petite balle jaune de Roland Garros, neuf siècles se sont écoulés… 

Entre le XIIème siècle et le XVème siècle, les balles de tennis se taillent en effet dans mélange peu pratique. Faites de poils d’animaux et d’étouffe de laine, ces premières balles sont loin d’être optimales. 

On cherche alors à les rendre plus robustes — coupant, cette fois, les balles de tennis dans un cuir que l’on emplit de sable et de chaux. On le devine, le jeu ne pouvait développer toute son élégance avec ces esteufs… Les mains endolories après les matchs; il a fallu l’intervention de Louis XI pour mettre fin à l’utilisation de balles bien loin de porter le jeu aérien qu’est le tennis. 

En 1481, Louis XI interdit l’utilisation de ces esteufs. S’en suivent des essais de balles conçues à partir de draps pressés et liés avec des ficelles… C’est là que née la pelote. Mais voilà, les ficelles ne tiennent pas et, le jeu n’en est que plus délicat.

Finalement, c’est en 1870 que la révolution industrielle va mettre le tennis sur la voie de la balle parfaite. Et c’est en partie à Charles Goodyear que l’on doit le principe de ces balles — l’industriel a en effet importé l’utilisation du caoutchouc en Europe. Elastique imperméable et éminemment léger, le caoutchouc s’apprête à devenir la matière phare des balles de tennis. 

Avec l’apparition du caoutchouc en Europe, le même Major Wingfield qui avait fait du tennis un adoré des classes aisées de la société Britannique, intègre au coeur des balles un caoutchouc naturel. Dès lors, elles gagnent en performance; définitivement introduites comme l’indispensable à la pratique d’un tennis souple et envolé ! 

D’une épaisseur comprise entre 2 et 6mm, le caoutchouc est toujours utilisé aujourd’hui; des mots même de Sylvain Triquigneaux, responsable de l’innovation chez Babolat, fournisseur officiel du tournoi de Roland-Garros de 2011 à 2019 : « On n’a encore trouvé aucun matériau synthétique plus performant. » Et justement, la balle de tennis doit aussi son jaune iconique à une question de performance.

Jusque là coulée dans une feutrine noire puis blanche, la balle de tennis devient jaune fluorescent… en même temps que le tennis s’apprécie à l’écran, aux quatre coins du monde.

1968 – L’ère Open définit le tennis moderne. Pour la première fois, tous les joueurs de tennis, professionnels ou amateurs, sont autorisés à participer aux tournois du Grand Chelem. A la même période, le tennis devient un sport populaire. 

L’apparition de la télévision couleur et l’intérêt grandissant du public rendent nécessaire une balle offrant une meilleure visibilité. Un jaune fluorescent appelé ‘optic yellow’ est alors tenu pour être la couleur la plus visible à la TV. 

En 1972, la Fédération internationale de tennis va plus loin et impose la couleur standard du jaune.  

Rolland Garros 2020, La Tradition Wilson ! 

Depuis 2019, c’est Wilson qui fournie Roland Garros en petites balles jaunes, en en cordage L’agilité, le rebond haut et sa portée longue en font l’idéal des compétiteurs. Cette fois, Wilson a livré une nouvelle balle de tennis haute performance co-brandée, conçue spécialement pour s’adapter aux mythiques courts en terre battue de Roland-Garros.

“Wilson est très heureux de cette alliance avec la FFT. Notre passion et notre détermination à proposer la meilleure expérience sur les courts en terre battue fait écho à la mission de la FFT. C’est la raison pour laquelle cette association semble si naturelle. Nous sommes une marque innovante et guidée par le design, toujours en quête de nouvelles idées pour développer notre sport. À ce titre, nous avons été séduits par l’approche avant-gardiste de la FFT pour améliorer l’exposition de Roland-Garros à travers le monde“ déclarait ainsi Hans-Martin Reh, directeur de Wilson Racquet Sports.

En 2020, la balle jaune de Wilson captive d’autant plus l’attention à l’écran que la présence physique au stade Rolland Garros est rendue impossible, pandémie mondiale oblige. 

Le tournoi, qui s’ouvre ce dimanche 27 septembre pour se clore le 11 Octobre 2020, sera aussi le théâtre d’un jeu inédit. Habituellement tenu à la fin mai, il se tient cette fois au mois d’octobre. De quoi considérablement changer le rebond de la petite balle jaune sur la terre battue. Et lorsque l’on connait l’aisance d’un Rafael Nadal sur ce terrain… On ne peut que logiquement s’interroger: pourra-t-il conserver sa dextérité avec ses effets habituellement extrêmement poussés sur terre battue?

Cette édition risque bien de surprendre ! Et changer le regard posé sur une si petite balle jaune à Roland Garros. 

Art Paris Art Fair, Rendez-Vous Iconique De L’Art Contemporain 

Jusqu’au 13 Septembre 2020 se tient à Paris l’événement iconique de l’art contemporain — Art Paris Art Fair inaugure ainsi une foire où artistes et galeries d’envergure côtoient la jeune génération ! 

Art Paris Art Fair, Au Grand Palais 

C’est une fois encore sous la magistrale nef du Grand Palais que se tient la foire d’art contemporain Art Paris Art Fair. Là, dans les 13 500 m2 d’un lieu qui, dès 1901, a accueilli les Salons artistiques devenus légendaires, Art Paris Art Fair réunit près de 900 artistes… Répartis autour de 112 exposants venus de 15 pays différents. Et la tâche n’était pas une mince affaire. En effet, dans ce contexte de pandémie, Art Paris Art Fair tient pour être le premier rendez vous iconique de l’art contemporain a inauguré une saison très particulière. 

Cette 22ème édition précise ainsi la philosophie de cette foire initiée en 1999 — elle qui fut d’abord pensée comme une foire satellite de la FIAC a pris son envole dès 2006. Mais c’est bien en 2012, avec l’arrivée d’une nouvelle équipe, que Art Paris Art Fair a su ancrer son intérêt autour d’une philosophie visant à prendre le pouls de la scène artistique autour du concept de ‘régionalisme cosmopolite’. 

Car c’est bien là tout l’intérêt d’un tel évènement artistique — proposer un instantané des scènes artistiques Européennes de l’après-guerre à nos jours, tout en offrant une visibilité sur les nouveaux horizons de la création internationale. 

Art Paris s’est ainsi rapidement imposée comme un rendez vous incontournable des collectionneurs, et des galeries clé ou émergentes de la scène artistique. Déclinée en thématiques, Art Paris vise tout autant la découverte des profils émergents que la redécouverte des artistes et galeries devenues des icônes ! 

Et cette saison, Art Paris précise une nouvelle fois cette vocation. 

Art Paris: Le Programme De La 22ème Édition 

Art Paris a ainsi pensé cette 22ème édition autour de deux thèmes clé — d’un côté une volonté de montrer la scène Française au prisme des notions de récit, d’histoires singulières et universelles. Confiée au critique d’art Gaël Charbau, cette curation de dix-huit artistes jette une lumière limpide sur la création contemporaine. 

« Il semble que l’on peut ainsi donner un aperçu de notre histoire commune en croisant celle peu commune de ces artistes » précise Gaël Charbau. 

Parmi eux, des noms aussi iconiques que celui de Sophie Calle ou Laurent Grasso, présentés par la Galerie Perrotin.

A cela vient s’ajouter le secteur « Promesses » qui réunit, autour de 14 galeries en provenance d’Abidjan, Bruxelles, Lima, Lisbonne, Sofia, Marseille et Paris, des talents encore peu connus du public et des collectionneurs. Avec la même ambition, le ‘Solo Show’ permet, lui, aux visiteurs de découvrir des artistes modernes et contemporains autour de 21 expositions monographiques disposées, ça et là, sous la nef du Grand Palais. 

De l’autre côté donc, Art Paris a cherché à mettre en avant l’art Espagnol et Portugais des années 1950 à nos jours. Et on le devine, les icônes ne manquent pas. Des pièces de Picasso, Antoni Tapiès, Joan Miró ou encore Joaquin Torres-Garcia, pour ne citer qu’eux, côtoient ainsi d’autres travaux non moins illustres. Car Art Paris reste une foire d’art contemporain et, en la matière, les Francis Picabia, Jean Dubuffet, Marc Chagal ou Giacometti en étaient bien les figures de proue. Leur présence à Art Paris se détaille mieux ici.

Justement, la sélection 2020 Art Paris Art Fair accueille de nouveaux participants — parmi eux, Jeanne Bucher Jaeger et la non moins avant gardiste galerie d’Emmanuel Perrotin.

Bert Stern

On retrouvera aussi, jusqu’au 13 Septembre, les galeries qui depuis longtemps se sont associées à Art Paris — des galeries tenant lieu de véritables institutions. La Galerie Nathalie Obadia, la Galerie de l’Instant avec les oeuvres des photographes de mode iconiques, le glamour de la dernière mythique photographie de Marilyn Monroe. L’une des images légendaires de Bert Stern est en effet en vente sur le stand de la galerie ! 

Pierre et Gilles

Ou encore la galerie Templon qui introduit une oeuvre magistrale de Pierre et Gilles; Paris la nuit (Fifi Chachnil), 2019.

La Galerie Loft y est aussi présente avec l’introduction d’un sculpteur connu de tous — Philippe Hiquily, le génie derrière les sculptures espiègles et aériennes qui eurent notamment l’occasion d’être exposées dans la Cour Jardin de l’hôtel Plaza Athénée, en 2016 et 2019. 

Philippe Hiquily

Dans une volonté de rendre accessible l’art contemporain au plus grand nombre, Art Paris Art Fair a ainsi taillé cette 22ème édition autour d’un accord icônes-nouveaux talents des plus intéressants. De quoi en faire, assurément, le rendez-vous iconique de l’art contemporain.

La Nouvelle Hublot Big Bang Unico Sky Blue

Hublot introduit sa nouvelle Big Bang Unico Sky Blue — une montre comme une ode au voyage entre air et mer.

La Montre Hublot Big Bang Unico Sky Blue

C’est taillée dans la céramique que la nouvelle Big Bang Unico Sky Blue introduit sa célébration de la mer et du ciel.

Une matière innovante qui, en plus de rappeler toute la fougue de la maison Hublot et sa maîtrise de ‘l’Art de la Fusion’, résiste à l’usure des eaux salées.

Car la montre Hublot Big Bang Unico Sky Blue invite surtout au voyage. De Mykonos à Ibiza en passant par St-Tropez, la nouvelle Big Bang Unico Sky Blue est belle et bien taillée pour le voyage en eaux paisibles…

De ces lieux si chargés en charme et en histoire, Hublot fait ainsi une montre qui insuffle au temps un rythme léger et inspiré… Autour de son boîtier de 45 mm de diamètre, la Big Bang Unico Sky Blue distille une décontraction très sophistiquée dans ses teintes mêlant bleu tendre et blanc posé.

Puisant notamment sa douceur et son luxe dans la plus renommée des îles des Cyclades, là où les eaux bleues de la Mer Égée contrastent avec la blancheur de ses maisons chaulées sous un ciel bleu limpide — la Big Bang Unico Sky Blue est une ode à au voyage entre air et mer.

Car c’est aussi la baie de St-Tropez qui lui insuffle son allure toute paisible… Là où le bleu de l’eau et du ciel s’unissent à l’infini !

En égrainant ainsi le temps sereinement au rythme du mouvement manufacture Unico, la nouvelle Big Bang Unico Sky Blue se fait idéale pour une saison à l’abri du temps qui file.

Les Parfums Atelier Versace

Ateliers Versace présentent six nouveaux parfums, orchestrés sous la direction de Donatella Versace. Exclusivement aux Galeries Lafayette Paris Haussmann. 

Les Nouveaux Parfums Atelier Versace

La maison Versace dévoile une collection de senteurs concoctées sous la direction de Donatella Versace. 6 nouveaux parfums édités par Atelier Versace qui revisitent, sous forme de compositions olfactives, les codes iconiques de la maison. 

Cinq parfumeurs se sont ainsi penchés sur le savoir faire de la maison Versace, afin de mieux de le lier à celui de la parfumerie. Le résultat? De véritables célébrations olfactives des matières nobles de la parfumerie — couplées au luxe baroque de la maison Italienne !

« L’idée justement que chaque femme est différente, et que si l’on aime toutes porter une robe sur-mesure, c’est encore plus vrai quand il s’agit d’un parfum. Nous voulons toutes trouver cette senteur qui représente vraiment qui nous sommes » détaille Donatella Versace. 

Et si les 6 senteurs sont indépendantes les unes des autres, elles ont pour point commun celui d’être sans genre. Des eaux délicieuses ou sexy donc, pensées à la fois pour homme et pour femme. 

Les nouveaux parfums Atelier Versace se nomment ainsi Eclat de Rose, Cédrat de Diamante, Jasmin au Soleil, Figue Blanche, Santal Boisé ou Vanille Rouge. Et chacun d’entre eux met en exergue olfactive l’attitude solaire et sexy de la maison Versace. 

Jouant en majesté un ingrédient phare de la parfumerie, les parfums Atelier Versace conjuguent donc au luxe opulent Versace les ingrédients clé que sont la rose, le citron le cédrat, le jasmin, la figue, le santal ou encore la vanille…

C’est ainsi que l’un des nouveaux parfums Atelier Versace, nommé Jasmin au Soleil, distille une eau solaire et fascinante, pareil au logo Medusa. Le nez derrière sa composition, Nathalie Lorson précise: 

« L’emblème lumineux d’Atelier Versace, clin d’oeil à la mythologie grecque, a guidé mon inspiration. Cette association de jasmin très opulent avec des notes hespéridées qui pétillent, incarne la douce impertinence d’un univers faussement innocent… »

Mais il y a plus. Les flacons mêmes de ces nouveaux parfums Atelier Versace présentent un luxe sulfureux ! Les bouteilles de parfum Versace, pâles ou noires en verre torsadé (savoir-faire exceptionnel), sont ainsi coiffées de bouchons réalisés à la main. Un luxe qui se poursuit jusque dans leur coffret, mis en beauté par des finitions peintes à la main… 

De quoi ajouter un peu plus d’audace et d’originalité à ces jus tantôt sensuels, tantôt charnels — mais très Versace en somme. 

La Fondation Prada Présente ‘Finite Rants’

Avec pour ligne directrice le film La Jetée de Chris Marker, la Fondation Prada a appelé cinéastes, artistes, intellectuels et universitaires à travailler 8 essais visuels.

‘Finite Rants’ A La Fondation Prada

Le nouveau projet artistique commandé par la Fondation Prada est à voir en ligne sur son site, dès le 25 Juin 2020. ‘Finite Rants’ comprend ainsi 8 essais visuels; essais qui seront mis en ligne sur une base mensuelle.

C’est aux curateurs Luigi Alberto Cippini et Niccolò Gravina que l’on doit cette sélection pointue et pertinente… Les premiers essais mis en ligne seront ceux du réalisateur et écrivain Allemand Alexander Kluge, du photographe Japonais Satoshi Fujiwara, du réalisateur Français Bertrand Bonello, et l’économiste Suisse Christian Marazzi.

Avec pour point de départ le film radical de Chris Marker La Jetée, Prada a ainsi invité ces cinéastes, artistes, intellectuels et universitaires à collaborer sur cette idée de “roman- photo”, des mots mêmes de Chirs Marker.

Le projet ‘Finite Rants’ reprend donc la dimension socio-culturelle du travail de Chris Marker pour l’appliquer à notre époque. Le résultat?

8 essais visuels comme autant de médium pour créer des « images pour des notions mentales » comme le disait déjà Hans Richter, en 1940. En effet, le projet ‘Finite Rants’ de la Fondation Prada repose aussi sur la théorie de ce réalisateur d’avant-garde. Pour lui, l’essai cinématographique ou la vidéo sert la liberté de création, la complexité, la réflexivité, le croisement des genres cinématographiques et la transgression des conventions linguistiques.

Le projet ‘Finite Rants’ vise ainsi à explorer la polyvalence du genre qu’est l’essai cinématographique — dans une visée radicale à la Chris Marker. Une vision qui n’est pas loin des valeurs et de l’esthétique défendues par Miuccia Prada dans sa mode, depuis les années 90.

Une vision pan-européenne qui explore les récents évènements que l’Europe a connu… ‘Finite Rants’ distille ainsi une vision esthétique mais réfléchie des problèmes sociaux, politiques et culturels propres à notre époque. Par la création, l’édition et la post-production de visuels bruts, les artistes ayant oeuvrés au projet de la Fondation Prada ont cherché à exprimer des visions et des poétiques personnelles. Impliquant le spectateur dans un rôle actif et réfléchi.

Les premiers essais ‘Finite Rants’ à la Fondation Prada sont à découvrir ici, dès le 25 Juin…

Les Accords Mets Champagne Par Veuve Clicquot Rosé

Le champagne iconique de la maison devient idéal pour déguster comme il se doit les mets estivaux !

Le Veuve Clicquot Rosé, Une Histoire D’Audace Et De Goût

Un Procédé Initié Il y a Plus de 200 ans

Veuve Clicquot Rosé est l’une des cuvées les plus emblématiques de la maison. Et pour cause ! Créé il y a plus de 200 ans par la Veuve Clicquot, ce rosé est le tout premier rosé d’assemblage connu. Le premier rosé d’assemblage qui, rapidement, a bousculé les codes du champagne.

Le procédé figure toute l’audace et l’innovation de la Veuve Clicquot. Première femme à être à la tête d’une maison de champagne, elle fut aussi celle par qui le procédé de teinte du rosé a laissé sa place à l’assemblage.

Un art de l’assemblage qui consiste à sélectionner des vins rouges et des vins blancs tranquilles, de qualité exceptionnelle… Avant de les assembler ! Un procédé ainsi initié en 1818 qui, rapidement, fut repris par les autres maisons de champagne.

L’Assemblage Veuve Clicquot Rosé Aujourd’hui

Associant 50 à 60 crus différents, l’assemblage de la cuvée Veuve Clicquot Rosé s’appuie aujourd’hui sur l’assemblage traditionnel du Veuve Clicquot Brut Carte Jaune. Sa structure si particulière, le Veuve Clicquot Rosé la tire de la prédominance du Pinot Noir.

Et c’est aussi dans les vins de réserve que le Veuve Clicquot Rosé tire toute sa force aromatique. Vient ensuite l’ajout de vin rouge tranquille provenant de raisins noirs… C’est là que la cuvée gagne en puissance et en intensité !

Enfin, l’assemblage est mis en bouteille; conservé durant trois années en cave. Un savoir-faire exemplaire qui, à la dégustation, fait chavirer les papilles avec une robe rose lumineuse, relevée par des reflets cuivrés.

Le nez est généreux et élégant, avec d’intenses arômes de fruits rouges tels la framboise, la fraise sauvage ou encore la mûre. Viennent ensuite des notes gourmandes de biscuits, d’amandes, de brioche et d’abricots.

De quoi épouser avec fougue les mets les plus délicieux. Lesquels?

Les Accords Mets Champagne Par Veuve Clicquot Rosé

Avec quoi accompagner le champagne Rosé Veuve Cliquot? La maison répond qu’il est idéal pour les mets estivaux !

Ses arômes fruités et sa texture onctueuse accompagnent avec virtuosité les fraîcheurs de l’été. Les combinaisons sont multiples, mais la maison l‘affirme: l’accord plus que parfait se fait autour du thon.

Mais il y a plus. Saumon fumé, crevette, canard ou charcuterie, le Veuve Clicquot Rosé pose les accords mets-champagne autour de ces aliments riches en possibilités.

Les arômes du Veuve Clicquot Rosé s’envolent aussi autour des tomates fraîches et juteuses. Avec un carpaccio de bœuf ou encore de fruits rouges bien mûrs, ces notes seront magnifiées par les arômes du Veuve Clicquot Rosé.

Ainsi pétillants, les rosés de la cuvée Veuve Clicquot épousent l’imagination estivale et les moments les plus gourmands ! Une délicatesse aromatique sur l’on doit, surement, à l’esprit sophistiqué de la Veuve Clicquot.

Elle qui disait:« Nos vins doivent flatter à la fois l’oeil et le palais. »  De quoi graver des moments de partage autour d’un champagne iconique.

La Montre Iconique Omega, La Moonwatch Speedmaster

Une montre très recherchée pour sa beauté et son histoire. C’est cette montre qui marcha sur la Lune, au poignet de Buzz Aldrin. 

Avant de devenir la Moonwatch, la montre iconique Omega est appelle Speedmaster. C’est après avoir marché sur la Lune, au poignet de Buzz Aldrin, qu’elle prit le nom de Moonwatch. Mais alors, quelle est l’histoire d’une des montres les plus exceptionnelles? 

Omega Et La NASA

L’esprit pionnier d’Omega rencontre rapidement les exigences de la NASA. Utilisée lors des six missions lunaires, l’icône Speedmaster devient légendaire !

 Les Performances Des Montres Omega

C’est simple, les montres Omega furent les seules capables de répondre aux exigences techniques des aventuriers de l’espace. Il faut dire que dès sa fondation au XIXème siècle, la maison Omega est habitée du même esprit pionnier. Et de cette recherche de précision. 

Dans les années 50, les performances des montres Omega furent d’abord imaginées pour répondre à la demande des pilotes de courses. La vitesse et les courses, quelles soient marines ou terrestres, sont alors une fascination pour le monde entier. Pour Omega, aussi ! 

En 1957, la maison édite ainsi un trio de montre dédiés à la course. L’Omega Seamaster 300, l’Omega Railmaster et de l’Omega Speedmaster. Cette-dernière se destine principalement aux pilotes automobile. Mais avec son allure et son cadran, la Speedmaster va rapidement attirer l’attention. 

C’est la première montre-bracelet chronographe à être travaillée autour d’une échelle tachymétrique. Et cette échelle tachymétrique vient se placer sur la lunette, et non sur le cadran — une façon pour le pilote de la lire d’un coup d’oeil ! 

Au même moment, la NASA s’attache à réaliser la promesse faite par J. F. Kennedy — celle d’aller sur la Lune. Nous somme en 1961, et la NASA va tout mettre en oeuvre pour y aller. 

En prévision des vols extraterrestre Gemini et Apollo, elle approche les grands noms de l’horlogerie. Rolex, Longines, et Omega… Le cahier des charges est très précis. Les tests sont d’une ampleur sans précédent. 10 montres sont retenues. 

La NASA cherche en fait à équiper les astronautes d’une montre-bracelet précise et fiable dans le but de mesurer avec exactitude leur temps de sortie hors de la capsule… Rapidement quatre sont éliminées et, pendant un an, les six restantes subissent les épreuves du chaud (70 °C puis 93 °C), du froid (- 18 °C pendant 4 heures), du vide (la montre subit une pression de 10-6 atmosphères avant d’être chauffée à 70 °C puis refroidie à – 18 °C) . Humidité, corrosion, chocs, accélération, décompression, vibration, bruit acoustique… 

 Les performances de l’Omega Speedmaster résistent à ces conditions lunaires. Elle est ainsi homologuée pour toutes les missions spatiales, dès 1965… Animée par l’emblématique calibre 321. 

La Speedmaster et la Conquête Spatiale

La Speedmaster s’envole une première fois pour la galaxie en octobre 1962, au poignet de Walter Schirra. Choisie par l’astronaute pour la mission Sigma 7 du programme Mercury… A partir de ce moment-là, Omega fait de l’espace son terrain d’exploration.

Précision, lisibilité et robustesse. Le 20 juillet 1969, à 2h56 GMT, c’est lors de la mission Apollo 11 qu’au poignet de Buzz Aldrin, le garde-temps devient la première montre à côtoyer la Lune. Elle prend alors le surnom de Moonwatch. 

Le Gant de Buzz Aldrin qui marcha sur la Lune

Puis vint la mission Apollo 13… « Houston, we have a problem. » Lors du trajet menant à la Lune, le réservoir d’oxygène explose, endommageant gravement le module, et provoquant une importante panne à bord. Une panne qui a bien failli coûter la vie à l’équipe. 

Là, la montre Speedmaster a joué un rôle crucial. Lorsqu’il fallut retourner sur Terre, les astronautes eurent l’idée de remplacer les équipements cassés par leur Speedmaster. Ainsi, ils furent en mesure de chronométrer le temps exact d’allumage des fusées de la capsule – une poignée de secondes – afin de pouvoir rentrer dans l’atmosphère sans gaspiller l’énergie qui était, à ce moment précis, à son niveau le plus critique. 

Les instruments électriques n’étant plus opérationnels, la Speedmaster a bel et bien sauvé la vie des astronautes. Cet incident évitant l’accident valu à Omega un Snoopy Award, récompense remise par les astronautes aux collaborateurs et fournisseurs en remerciement d’un travail ayant permis d’améliorer la sécurité. 

La conquête spatiale, ce garde-temps y a ainsi participé avec les six alunissages de la mission Apollo. Dans le même temps, le Speedmaster atteignait le statut d’icône. 

Omega Et La Speedmaster Au Fil Du Temps

Pendant plus d’un demi-siècle, l’Omega Speedmaster a été au cœur de nombreux grands moments de l’histoire, des moments qui ont mis à l’épreuve l’endurance physique et le courage humain. 

C’est cela qui est tour à tour célébrer dans des éditions exceptionnelles de la Speedmaster. 

 Des Editions Exceptionnelles

En 2015, la nouvelle Speedmaster Moonwatch Professional Silver Snoopy Award célèbre l’anniversaire du sauvetage de la mission Apollo 13. C’est ainsi tout naturellement que le fond plein revêt un médaillon Snoopy en argent 925 – Snoopy, la mascotte de la Nasa, et peut être l’ange gardien de la mission Apollo 13.

Le chronographe fonctionne sur un calibre Omega 1861 – un chrono à remontage manuel offrant 48h de réserve de marche – le tout fixé au poignet le long d’un bracelet nylon. Mais la nouveauté résidait alors dans ce blanc immaculé.

Mieux, la Speedmaster Silver Snoopy Award amène à la réflexion lorsque l’oeil se pose sur l’inscription : « Que pourriez-vous faire en 14 secondes ? Car, lorsqu’il fallut retourner sur Terre, les astronautes de la mission Apollo 13 ont eu besoin de 14 secondes… Soit le temps d’allumage des fusées de la capsule afin de pouvoir entrer dans l’atmosphère terrestre.

2016. La Speedmaster Grey Side of the Moon est un vibrant hommage au rôle pionnier joué par Omega en matière d’exploration spatiale. En misant sur des matériaux innovants, un mouvement mécanique révolutionnaire et une apparence du modèle originel respectée, la maison ne cesse de rassembler de nouveaux amateurs autour de la Speedmaster.

Associant design et innovation révolutionnaire, Omega conjugue exploration spatiale, technologies et matériaux inédits pour toujours plus d’élégance. La nouvelle Speedmaster Grey Side of the Moon s’inspire de la poussière lunaire foulée par les astronautes à chaque mission et est constituée d’un authentique morceau de météorite. 

Son nom évoque un voyage spatial à travers des pluies de météorites jusqu’à la mystérieuse planète rouge Sedna et porte en lui des inspirations célestes. Cette nouvelle venue dans la collection Omega Speedmaster raconte l’histoire de la mission Apollo 8, illustrant la phrase prononcée par l’astronaute Jim Lovell « La lune est essentiellement grise ».

Ce modèle futuriste n’est pas seulement une invitation à l’aventure, il est également d’une élégance incomparable. 

La Montre D’Ultraman et… James Bond

Lorsque la plus iconique des montres Omega se met aux couleurs d’une icône de la culture populaire, cela ne pouvait donner naissance qu’à une pièce éminemment désirable.

La Speedmaster Speedy Tuesday distille ainsi un style science-fi empreint de références Japonaises des années 70. Oui, le héros Ultraman est au Japon ce que James Bond est à l’Angleterre. Mais ici, la figure incarne avec un détachement quasi-kitsch l’histoire spatiale de l’humanité! 

Imaginé par Tsuburaya Productions, Ultraman est en réalité l’un des plus fameux exemples du genre ‘kaiju’ ou ‘monstre géant’. Alors, lorsque cet univers un brin déjanté rencontre la technique, le savoir-faire et l’esthétique très iconique de la Moonwatch Omega de 1967, le résultat est intéressant.

Il y a d’abord l’orange fou qui teinte l’aiguille des secondes; assorti aux costumes de la patrouille scientifique anti-monstres de la série. Viennent ensuite des compteurs Speedmaster classiques, ici clairement taquins! La ‘Speedy Tuesday’ réserve en effet quelques surprises…

James Bond, lui, aime les Seamaster. Depuis 1995, le plus élégant des espions Britanniques porte toujours des OMEGA Seamaster dans chaque film.

C’est la costumière Lindy Hemming qui en a fait la favorite de l’agent 007 dans GoldenEye. 

« J’étais convaincue que le Commandant Bond, gentleman feutré issu des rangs de la marine britannique, était fait pour porter la Seamaster avec le cadran bleu. »

Mais ça, c’est l’histoire d’une autre icône de l’horlogerie. Celle de la Seamaster.

La Seamaster d’Omega

La maison Omega compte la Seamaster parmi ses montres iconiques. Un garde-temps conçu pour l’exploit maritime. 

Omega, c’est la maison à laquelle la NASA a su faire confiance pour envoyer ses hommes dans l’espace. Et c’est aussi la maison qui a su créer des montres pour les explorateurs des abysses ! 

L’Histoire De La Seamaster Omega, Explorations Marines Et Jeux Olympiques 

Créée, en 1948, la Seamaster est une montre taillée pour l’exploit.

La Seamaster, montre de plongée professionnelle

En 1932, l’icône Seamaster s’esquisse avec le projet Marine. Projet initié par Omega afin de concevoir la première montre-poignet dédiée aux exigences des plongeurs…

Avec ses aiguilles et repères phosphorescents, elle garantit ainsi une bonne visibilité sous l’eau. Testée dans le lac Leman, elle est la première montre de plongé à être commercialisée. 

Publicité pour la montre Marine, Omega

Très vite, l’inventeur de la bathysphère, Charles William Beebe, popularise cette montre de plongée Omega. Elle est, dit-il, « une véritable avancée pour les sciences horlogères. »

Charles William Beebe, à la sortie de son bathysphère

« J’ai porté mon Omega Marine dans l’océan Pacifique à une profondeur de 14 mètres, là où la pression est deux fois supérieure à la normale. Son étanchéité à l’eau et à la poussière ainsi que sa résistance à la corrosion représentent une véritable avancée pour les sciences horlogères » 1936, Charles William Beebe

Directement inspirée de cette Marine, la Seamaster voit alors le jour en 1948. Année du centième anniversaire de la maison Omega, fondée par Louis Brandt, en 1848. 

Charles William Beebe

La Seamaster, montre de plongée professionnelle, reprend alors les aiguilles et repères phosphorescents de la Marine. D’ailleurs, pendant la Seconde Guerre Mondiale, c’est la Royal Air Force Britannique qui l’adopte. Un an plus tard, inspiré par les ornements des gondoles vénitiennes, l’hippocampe vient se graver sur la Seamaster. 

C’est le début des exploits, portés par la Seamaster. Dotée d’une valve à hélium pour évacuer le gaz lors de la plongée, les montres Omega mélangent noir scintillant et bleu nuit, pour un total voyage sous-marin…

Le commandant Cousceau… L’apnéiste Jacques Mayol établit un record mondiale, en 1981, avec sa Seamaster 120. Il plonge à 101 mètres de profondeurs…

Testée dans des conditions extrêmes dans un souci d’amélioration continuelle, chaque Seamaster prétend à l’excellence. La montre conjuguant ainsi durabilité, précision et esthétique.

Des différentes collections Omega, la Seamaster est aujourd’hui la plus ancienne. Mais elle n’en bénéficie pas moins, avec chaque nouveau modèle des dernières avancées technologiques.

Ainsi, la Seamaster Planet Ocean fut la première montre à associer la céramique à la technologie Liquidmetal, un alliage à base de zirconium. 

Le résultat est la traduction matérielle de l’ambition Omega : une durabilité accrue, mais esthétiquement sublime. 

Car si la résistance est de rigueur, la marque n’entend pas pour autant sacrifier le design de ses montres.

Design sportif, verre inrayable et antireflet, bracelet en acier, étanchéité garantie jusqu’à 500 pieds… Tout la prédestine à affronter l’inconnu. Rien d’étonnant de la part d’une maison d’horlogerie qui fait du mythe son quotidien.

On se rappelle de la Speedmaster, première montre à avoir été portée sur la Lune, au poignet de Buzz Aldrin. On se souvient, aussi, que depuis 80 ans, Omega est le chronométreur officiel des Jeux Olympiques

La Seamaster Et Les Jeux Olympiques 

1932, à Los Angeles. Omega devient le chronomètre officiel des Jeux Olympiques. 2012, à Londres « If you start me up I’ll never stop! » Dès les premières notes du spot d’Omega pour les Jeux Olympiques, on entre dans la compétition, au rythme des Rolling Stones. 

Acteurs, sportifs, héros de fiction… Un seul point commun entre tous les ambassadeurs de la Seamaster : ce sont tous des hommes d’exception, pour qui la vie est un combat dans lequel ils se jettent avec enthousiasme. Porter la Seamaster, c’est refuser l’habitude, c’est relever un défi.

Chrométreur officiel des JO, Oméga introduisait cette année là sa nouvelle collection Seamaster Planet Ocean.

Fait méconnu, la Seamaster fut initialement aussi pensée comme une montre adaptée à la ville. Peu étonnant de voir James Bond porté, à son poignet, une Omega Seamaster 300.

Dans plus d’un épisodes depuis que Lindy Hemming, la costumière multi-récompensée, en a fait l’incarnation du commander. Raffiné et homme d’action. Une montre élégante et, donc, un instrument indispensable à l’espion.  

Posters et affiches encadrées – décorations murales tendance

Galeries murales personalisées sont sans aucun doute la tendance du moment…

Instagram et des blogs lifestyle regorgent de beaux visuels présentant des cadres déco disposés d’une manière sophistiquée. Si vous êtes  en quête d’inspiration afin d’embellir votre appartement, pensez à la création d’une composition murale harmonieuse.

Mais, comme souvent, le diable est dans les détails – comment choisir la bonne dimension d’un poster et quelle couleur de l’encadrement accentuera au mieux le motif sélectionné ? Tout dépend de vos envies – quel style voulez-vous donner à votre intérieur : baroque, glamour, ultra moderne ou bien shabby shic ? Fini des murs vides, quelles que soient vos préférences, vous trouverez sûrement votre bonheur parmi la multitude de produits disponibles sur le marché – https://www.bimago.fr/posters.html

Posters en noir et blanc

Quand je trouverai une couleur plus foncée que le noir, je la porterai. Mais jusque-là, je porte du noir ! – cette réflexion inspirante de Coco Chanel prouve bien le potentiel du noir. Effectivement, le noir et le blanc sont des classiques absolus qui ne se démodent jamais – le phénomène des opposés qui s’attirent et qui se complétent mutuellement est largement représenté dans l’univers de la mode et dans le domaine de la décoration d’intérieur.

Si vous êtes amateur du style minimaliste ultra moderne, misez sur des affiches déco en noir et blanc – en vous appuyant sur le jeu de contrastes, vous pourrez facilement arranger un appartement élégant dans les tons monochromes.

Posters dorés

Inspirés de l’époque baroque, ces décorations murales seront un choix idéal pour les personnes voulant apporter un esprit glamour et de la somptuosité à l’intérieur – des accents dorés brillants illumineront toute pièce. Depuis toujours l’or était un élément fascinant – utilisée aujourd’hui dans des appartements contemporains, cette couleur leur donnera un aspect chic. Des posters muraux dorés permettront aussi de compléter l’arrangement d’un espace dans le style jungle urbaine – leurs motifs et cadres dorés iront parfaitement avec le vert foncé des plantes exotiques au feuillage luxuriant. Des ornements d’or sont considérés à la fois comme classiques et à la mode, ayant la classe et l’intensité qu’ils confèrent aux pièces.

Posters argentés

Moins audacieuse que l’or, la couleur argent possède néanmoins de riches possibilités décoratives en conférant une dimension plus épurée aux murs qu’elle habille. Appliqué en petites touches, l’argent apportera beaucoup de luminosité à une pièce grâce à son éclat métallique. Un poster mis dans un cadre argent sophistiqué plaira avant tout aux amateurs des tons froides – cette teinte se décline dans plusieurs nuances du gris. Faisant référance à la lune qui brille dans le ciel nocturne, cet accessoire déco se présentera parfaitement dans une chambre à coucher moderne. Décorations murales aux motifs argentés s’inscrivent également dans la tendance scandinave et minimaliste. 

Un set de posters qui se compose d’affiches déco encadrées et parfaitement assorties est une idée excellente pour avoir une décoration murale insolite, qui plus est, vous pourrez l’organiser selon vos préférences. Si vous voulez gagner un effet harmonieux, pensez à combiner les éléments particulieurs de votre galerie selon la même palette de nuances ou selon le sujet dominant.


Diana Et La Mode, Une Histoire d’Icônes

Lady Diana avait saisit que la mode était avant tout un langage. Un vocabulaire dont elle s’est servie pour exprimer ce qu’elle pensait… aider des icônes Versace, Dior ou encore Christian Lacroix.

Le statut d’icône de la mode de la Princesse Diana n’est plus à prouver. Cela étant, c’est en se plaçant au-delà des tendances et des attentes que la relation de Diana à la mode est devenue une affaire d’icônes.

Et c’est la période qui suivit son divorce qui fut sans conteste la plus pertinente.

Le « Look Diana »

Diana et la mode, c’est incontestablement une histoire d’icônes. A commencer par le « look Diana. »

La Princesse Diana

La femme la plus photographiée de son temps a grandi devant la caméra. Et son look témoigne de cette émancipation. Timide à son entrée dans la famille royale, c’est la séparation avec le Prince Charles au début des années 90 qui va conduire Lady Di à envoyer valser protocoles et positions convenues.

Il est certains que le « look Diana » s’est forgé à cette époque. Auparavant, on connaissant son attrait pour les pois, les métrages de tissus satiné, et les froufrous. En tant qu’ambassadrice de la couronne Britannique, la marge laissée à Diana pour s’exprimer dans ses vêtements était faible.

Lorsqu’en 1987 elle se rend au Festival de Cannes dans une robe en mousseline de soie bleu, signée Catherine Walker, elle fait sensation. Epaules larges dans des tailleurs à la coupe ample… Robe bouffantes et style meringue…

La robe Elvis, en sequins et perles avec boléro assorti, est devenue un exemple du genre des tenues de voyage diplomatique.

Comme elle, nombre de premières Dames imiteront cette idée d’adopter un classique de la couture du pays visité, de façon à honorer son hôte.

Premier membre de la famille royale Britannique à apparaître vêtu d’un jean en public, elle concourt aussi à introniser le port du denim.

Diana s’affranchit dès les années 80 des codes royaux pour imposer sa vision moderne. Et sa silhouette cintrée.

Au fur et à mesure que son mariage battait de l’aile, on a vu Diana exprimer dans ses vêtements non plus une personnalité timide et effacée… Mais une femme qui entend bien se faire entendre à travers ses vêtements. Et non plus pour ses vêtements

La Femme Diana

Dans les années 90 donc, à la recherche d’un nouveau look, Diana se rapproche de couturiers audacieux. Des couturiers qui, à leur tour, l’ont encouragée à porter des robes aux coupes décolletées et des jupes plus courtes.

Déjà ami avec Gianni Versace, Diana va se tourner vers les couturiers de l’époque. A l’exception de la maison Chanel.

Avant son divorce, il n’était pas rare de voir Diana dans l’iconique tailleur de Mademoiselle. Mais à la suite de son divorce, les deux C entrelacés lui rappelaient bien trop que le Prince Charles avait eu une affaire avec Camilla Parker Bowles…

Mais qu’importe, Diana avait trouvé chez Versace, Valentino, Lacroix et surtout Dior, les coupes et les matières idéales à sa nouvelle posture de femme.

Jacques Azagury, l’un de ses couturiers fétiches, se rappelle : « La première robe noire que j’ai créée pour elle date de novembre 1995. Juste avant la fameuse interview sur la BBC où elle révélait au journaliste Martin Bashir les dessous de son mariage, elle m’a téléphoné. Elle m’a confié que le jour de la diffusion de cet entretien, elle participerait à une soirée caritative au profit de la recherche contre le cancer pour laquelle elle voulait une robe « noire et sexy », devenue célèbre. C’était sa demande. S’habiller sexy était sa façon de dire « je suis une femme libre maintenant, je fais ce que je veux . »

Son apparition au Met Gala de 1996 résume le bouleversement dans le « look Diana. » Elle porte ici la toute première robe signée John Galliano pour Dior, plus proche d’un négligé que d’un fourreau du soir…

D’autant plus révolutionnaire si l’on compare son apparition à Chicago, en 1987, en robe Versace et chaussures Jimmy Choo.

Dans les années 1990, Lady Diana, après avoir refondé son look, se prête volontiers à l’exercice qui vise à faire la couverture de Vogue. Orchestrée par Liz Tilberis pour le Vogue Britannique, c’est Patrick Demarchelier qui va capturer la nouvelle Diana. Mais surtout donner à Vogue et aux portraits royaux une haute dose de modernité !

Le « look Diana » a ainsi posé de nouvelles bases à l’élégance. De superbes coupes, des matériaux luxueux, des robes au décolleté carré, accessoirisées avec ses chokers de diamants iconiques.

Sacs à main, et chaussures coordonnées… La signature Diana a très vite conquis le monde de la mode.

En parlant de sac à main justement. Il n’est pas surprenant que l’icône de la maison Dior fut baptisé Lady Dior. Offert par Bernadette Chirac lors de sa visite officielle en France pour l’exposition Cézanne au Grand Palais, en 1995, le sac n’avait pas de nom et…

C’est au bras de lady Di qu’il entra au panthéon des icônes de mode. Tout naturellement, la maison Dior l’a renommé Lady Dior, en 1996.

Seulement, chez la Princesse Diana, la mode était plus qu’une faire de mondanités. « Derrière chaque robe, il y avait un message ou une intention précise » ajoute l’un de ses couturiers fétiches, Jacques Azagury.

La Mode Comme Vecteur de Communication

Consciente du message véhiculé par le vêtement, Diana a consciemment choisi nombre de ses pièces pour devenir historiques. La plupart lui permettant d’exprimer ce qu’elle pensait, sans avoir à discourir.

La Mode Et Diana, Une Histoire D’Effets

La Princesse Diana a très vite utiliser sa notoriété pour attirer l’attention sur des problématiques humanitaires. Et l’un de ses gestes les plus historiques tient exactement de cela. Lorsqu’elle visite des malades atteints du SIDA, en plein épidémie, à une époque où le mode de transmission restait très flou, Diana retire ses gants de manière très visible pour tenir la main d’un patient.

Très tôt dans sa vie publique, elle a appris une leçon importante sur la façon de communiquer à travers ses vêtements. Et si au début de sa vie publique, ses paroles comme ses vêtements étaient sous cloche, dès qu’elle en fut libérée, Diana sut exactement ce qu’elle voulait montrer.

Son couturier de longue date Jasper Conran, expliquait ainsi lors d’une interview: « Chaque fois que la princesse discutait de ses vêtements avec moi, une partie de la discussion était toujours:’Quel message vais-je transmettre si je porte ça?’ Pour elle, c’est devenu un vrai langage, celui des vêtements. »

Elle ne portait pas de gants car elle aimait tenir les mains des personnes. Elle portait parfois de gros bijoux pour que les enfants puissent jouer avec. Et, elle ne portait jamais de chapeaux dans les hôpitaux pour enfants, parce qu’elle disait qu’on ne pouvait pas câliner un enfant avec un chapeau. Diana voulait que son look soit à l’image de ses engagements — profondément sincère.

Aidée des iconiques couturiers Versace, Dior ou Christian Lacroix, Diana a ainsi pu donner à son allure l’écho de son émancipation. La série réalisée par Vanity Fair, en 1997, l’année de sa disparition, par Mario Testino, révèle tout de ce rapport aux vêtements.

Chez Diana, la mode est une affaire de personnalité. Arborant une robe épurée de Gianni Versace, ces photographies montrent tout le glamour d’une femme qui est devenue une icône. Ces photos aussi iconiques soient elles, révèlent sa personnalité, elle-même encore plus iconique !

Et le coup le plus médiatique de Diana est ainsi advenu à travers une robe… La mythique Revenge Dress.

La Revenge Dress

Juin 1994. Le Prince Charles reconnaît, lors d’une confession télévisée, avoir été infidèle à Diana. Le soir même, la princesse Diana se rend à la fête d’été de la Serpentine Gallery, à Londres. Le lendemain, la presse ne retient que cette robe — baptisée Revenge Dress.

Eclipsant son ex-mari avec cette robe, Diana a fait de la mode son arme la plus efficace pour renverser la situation… Elle a littéralement volé la première page au prince Charles. Evidemment, tout était calculé.

Christina Stambolian, la couturière derrière la Revenge Dress, raconte ainsi que Diana possédait cette robe depuis trois ans, avant d’avoir trouvé le courage de la porter. Diana jugeant « qu’elle était trop audacieuse. »

Mais pas pour cette occasion. Plus que jamais, Diana a prouvé sa capacité à utiliser ses vêtements et la mode pour communiquer un message.
Celui d’une Princesse différente. Celui d’une femme dont l’allure traduit la liberté, de ton et de pensée. Et c’est en cela que Diana et la mode tient avant tout d’une historie d’icônes…

S’appuyant ainsi sur cette personnalité solaire, la mode a aussi cherché à actualiser ses icônes. Honorant ainsi le style et l’élégance de Diana qui en avait fait son sac favori, la maison Tod’s a édité une nouvelle version de son sac iconique vu aux bras de Diana… Le baptisant, cette fois, le D-Bag.

Et il est vrai que le style Diana trouvait dans le confort et le raffinement décomplexé des Gommino de la maison Tod’s, un certain point d’appui pour renverser le monde !