Laurence JENK, artiste incontournable dans le monde de l’art contemporain, est aujourd’hui une référence dans l’univers de la sculpture. Présente dans de nombreuses galeries à l’international, elle est reconnue pour ses sculptures monumentales de Bonbons que l’on peut retrouver dans les plus grandes villes du monde et dans les plus grandes collections d’art contemporain, des Etats-Unis à la Chine en passant par l’Europe.

Pouvez-vous nous parler de votre parcours artistique et des moments clés qui ont influencé votre cheminement vers l’art contemporain ?

Je suis une artiste française qui a réussi à s’imposer sur la scène internationale de l’art contemporain. Depuis 2019, j’ai été honorée en devenant Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, ce qui témoigne de ma reconnaissance dans le domaine artistique. Dans mes voyages à l’étranger, je suis fière de promouvoir les valeurs de la France, ainsi que de représenter la Principauté de Monaco où j’ai ouvert un atelier-galerie.

Mon parcours artistique est marqué par mon autodidactisme. J’ai réussi à faire reconnaître mon travail à travers mes tableaux pièges, réalisés en utilisant de véritables bonbons mélangés à des résines époxy dans les années 90. Pour préserver mes compositions de bonbons, je les protégeais avec des boîtes en plexiglas transparent.

L’idée de créer des sculptures à partir de bonbons est née de chutes de plexiglas que j’utilisais pour fabriquer mes boîtes. J’ai eu l’inspiration de placer une petite plaque de plexiglas dans mon four de cuisine, puis de la façonner en la chauffant. Déjà à cette époque, ma motivation était de recycler la matière tout en respectant l’environnement, tout en me démarquant sur la scène artistique grâce à un médium novateur.

Mes œuvres en bonbons explorent les thèmes de la culture populaire et de la société de consommation, et ont suscité un grand intérêt au fil des années. J’ai eu l’opportunité de participer à de nombreuses expositions en France et à l’étranger, notamment à la Biennale de Venise en 2011 et à la foire d’art de Miami en 2012. J’ai également eu la chance de collaborer avec des marques prestigieuses telles que Chanel, Louis Vuitton et Hermès.

Un moment clé de ma carrière a été mon exposition lors du G20 à Cannes en 2011, où j’ai présenté 100 sculptures monumentales de bonbons drapeaux représentant différents pays du monde. Cette exposition a duré six mois à Cannes et a bénéficié d’une scénographie spéciale sur la Croisette ainsi qu’à l’intérieur du palais des festivals. J’ai eu l’honneur de créer une haie d’honneur pour les présidents et de donner plus de 30interviews à plus de 3 600 journalistes présents du monde entier. J’ai également eu le privilège de présenter une sculpture bonbon aux couleurs de chaque pays, offerte par le président de la République Nicolas Sarkozy à chaque chef d’État.

Ces moments marquants ont contribué à façonner mon parcours artistique et à me positionner comme une artiste reconnue dans le domaine de l’art contemporain.

GIL ZETBASE

Comment décririez-vous votre relation personnelle avec l’art et comment cela se manifeste-t-il dans votre travail et votre processus créatif ?

J’ai une relation très personnelle avec l’art, qui est étroitement liée à mon enfance et à l’absence d’exposition artistique dans mon environnement familial. Cela a suscité en moi une curiosité et un désir profond d’explorer le monde artistique.

Mon processus créatif est ancré dans l’observation attentive de mon environnement. Je puise mon inspiration dans les éléments simples de la vie quotidienne, tels que les couleurs, les formes et les textures, que je transforme en sculptures monumentales utilisant divers matériaux comme le plexiglas, la résine polyester, le bronze ou le marbre. Mon objectif est de créer des œuvres qui attirent l’attention de loin, produisant ainsi un impact visuel puissant et offrant une expérience artistique nouvelle et innovante aux spectateurs.

Ma passion pour l’art et mon désir de susciter des émotions chez le public sont des moteurs essentiels de mon processus créatif. Chaque création est une exploration de formes, de couleurs et de matériaux, guidée par mon instinct et ma sensibilité artistique. Je cherche à provoquer une réaction chez les spectateurs, à les engager dans une expérience visuelle et émotionnelle qui peut les toucher et les interroger.

En résumé, ma relation personnelle avec l’art se manifeste dans mon processus créatifpar une observation attentive du monde qui m’entoure et une volonté de créer des œuvres qui captivent et émeuvent le public. C’est une passion profonde qui guide mon travail et me pousse à repousser les limites de ma créativité.

Gil Zetbase

Pouvez-vous partager l’inspiration derrière votre technique de sculptures « Wrapping Bonbon » et comment vous permet-elle d’exprimer vos idées et émotions ?

Les sculptures « Wrapping Bonbon » sont en effet emblématiques de mon style artistique. L’inspiration derrière cette technique remonte à mon enfance, où j’ai été fascinée par les bonbons colorés et les emballages brillants. Ces souvenirs ont laissé une empreinte profonde en moi, et je les utilise comme point de départ pour créer mes sculptures.

La technique des bonbons emballés est née de mon désir d’explorer et de transformer des matériaux ordinaires en œuvres d’art extraordinaires. J’utilise des chutes de plexiglas transparentes et translucides que je découpe, plie et assemble pour recréer les formes et les textures des bonbons emballés. J’expérimente également avec la couleur, en utilisant des techniques de peinture ou des matériaux colorés pour donner vie à mes sculptures.

Cette technique me permet d’exprimer mes idées et émotions de différentes manières. D’une part, elle évoque des souvenirs d’enfance, de plaisir et d’innocence, en utilisant des formes et des couleurs ludiques. D’autre part, elle interroge la société de consommation et la culture du jetable, en mettant en avant les emballages et en soulignant la nature éphémère des objets de consommation.

Les sculptures « Wrapping Bonbon » sont à la fois visuellement frappantes et chargées d’une signification symbolique. Elles suscitent l’attention du spectateur grâce à leur esthétique attrayante, mais elles invitent également à une réflexion plus profonde sur les notions de désir, de plaisir, de consommation et d’éphémère. Mon objectif est de susciter une réaction émotionnelle et intellectuelle chez le public, en créant des œuvres qui peuvent être à la fois plaisantes et provocantes.

En utilisant cette technique, je peux exprimer mes idées et émotions d’une manière unique et captivante. Les sculptures « Wrapping Bonbon » sont une fusion d’art visuel, de nostalgie, de critique sociale et d’exploration des matériaux. C’est un moyen pour moi de raconter des histoires, de provoquer des réflexions et de partager des émotions avec le public.

Les icônes de l’art jouent souvent un rôle central dans notre héritage culturel et artistique. Comment percevez-vous la notion d’icône dans l’art ? Certaines de ces icônes ont-elles eu une influence clé sur votre propre processus de création ?

La notion d’icônes dans l’art est très intéressante. Les icônes représentent des figures ou des symboles qui ont une signification culturelle ou artistique particulière et qui ont souvent une influence durable sur le monde de l’art. Elles peuvent être des artistes, des œuvres d’art, des mouvements artistiques ou même des concepts et des idées.

Dans mon travail, bien que je ne m’inspire pas spécifiquement d’une icône artistique, je comprends l’importance des icônes dans notre héritage. Elles sont des repères et des références qui ont marqué l’histoire de l’art et qui continuent d’influencer les artistes d’aujourd’hui.

Certaines icônes ont certainement eu une influence clé sur mon propre processus de création, bien que cela puisse être inconscient. Des artistes tels qu’Andy Warhol et Pablo Picasso ont été des figures emblématiques de l’art moderne et de la culture populaire, et ils ont révolutionné la manière dont l’art est perçu et créé. Leur utilisation de couleurs vives, de répétition, de sujets de la vie quotidienne et de l’approche conceptuelle a certainement influencé ma propre approche artistique.

Cependant, ma principale source d’inspiration provient de la culture populaire et de mon propre regard sur le monde qui m’entoure. Mes sculptures utilisent le bonbon comme un symbole universel de la douceur et de l’enfance, évoquant des souvenirs et des émotions partagés par de nombreuses personnes. Je cherche à créer des œuvres qui sont à la fois accessibles et porteuses de sens, en utilisant des éléments de la culture populaire pour susciter des réactions émotionnelles et intellectuelles chez le public.

En somme, bien que je n’attribue pas directement mon travail à des icônes spécifiques de l’art, je reconnais leurs importances dans notre héritage artistique et culturel. Elles sont des repères et des sources d’inspiration pour les artistes, et elles contribuent à façonner notre compréhension et notre appréciation de l’art.

Gil Zetbase

Dans votre travail, vous abordez des thématiques environnementales, sociétales et la cause animale. Comment votre art, et l’art en général, peut-il servir de moyen de sensibilisation et de provocation pour susciter des réflexions chez le public ?

Effectivement, l’art peut être un moyen puissant de sensibilisation et de provocation pour susciter des réflexions chez le public. L’art a la capacité unique de communiquer des idées et des émotions de manière visuelle et symbolique, ce qui peut toucher les spectateurs d’une manière profonde et personnelle.

Dans mon travail, j’utilise mes sculptures bonbons et la torsion de leurs formes pour transmettre des messages sur des questions environnementales, sociétales et la cause animale. Les bonbons, symboles de plaisir et d’innocence de l’enfance, sont transformés en objets déformés et tordus, reflétant les problèmes et les tensions auxquels nous sommes confrontés dans le monde actuel.

En utilisant cette technique de torsion, je souhaite attirer l’attention du public et le provoquer à réfléchir sur ces problèmes. L’art a le pouvoir de toucher les émotions et de faire émerger une empathie envers les sujets abordés. Par le biais de mes œuvres, je cherche à susciter des réactions émotionnelles chez le public, à éveiller leur conscience et à les encourager à prendre des mesures, que ce soit par des changements de comportement, la participation à des actions collectives ou la sensibilisation d’autres personnes.

L’art en général peut jouer un rôle crucial en servant de miroir de la société, en soulevant des questions importantes et en stimulant les conversations et les débats. Il peut déclencher des prises de conscience, remettre en question les normes établies et encourager les spectateurs à examiner leur propre relation avec le monde qui les entoure.

En somme, l’art peut être un outil puissant pour la sensibilisation et la provocation, car il peut susciter des réflexions profondes et émotionnelles chez le public. En utilisant l’art comme moyen d’expression, nous pouvons contribuer à élargir les horizons de compréhension, à promouvoir des changements positifs et à construire une société plus consciente et engagée.

Gil Zetbase

En tant que Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, comment percevez-vous votre rôle en tant qu’artiste dans la société d’aujourd’hui ?

En tant que Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, je ressens une responsabilité particulière envers la société en tant qu’artiste. Ce titre honorifique souligne mon engagement envers les arts et la culture, et je considère cela comme un privilège et une opportunité de contribuer de manière significative à la société.

Mon rôle en tant qu’artiste est multiple. Tout d’abord, je peux utiliser mon art comme un moyen de communication puissant pour aborder des questions qui nous préoccupent en tant que société. Les artistes ont la capacité unique de représenter des idées et des émotions à travers leurs œuvres, ce qui peut susciter des réflexions et des discussions sur des problématiques sociales, environnementales, politiques ou culturelles. Mon objectif est de stimuler la réflexion chez les spectateurs, de susciter l’émotion et d’encourager le dialogue sur des sujets importants.

En outre, en tant que Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, je peux également jouer un rôle d’inspiration pour les générations futures. Je crois fermement en l’importance de nourrir la créativité et l’imagination des jeunes. En partageant mon parcours artistique, mes expériences et mes idées, j’espère encourager les jeunes talents à explorer leur propre créativité et à s’engager dans des voies artistiques. Je souhaite transmettre l’importance de l’art dans la société et l’impact positif qu’il peut avoir.

Enfin, en tant qu’artiste, je suis consciente de l’importance de partager et de transmettre mes connaissances et mes compétences. Je m’efforce d’être présente dans la communauté artistique en participant à des projets collaboratifs, des résidences d’artistes, des ateliers et des conférences. Je suis ouverte aux échanges et à la collaboration avec d’autres artistes, les institutions culturelles et le public.

En somme, en tant que Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, je perçois mon rôle en tant qu’artiste dans la société d’aujourd’hui comme étant à la fois celui d’un communicateur, d’un inspirateur et d’un transmetteur. Je suis consciente de l’impact que l’art peut avoir sur les individus et sur la société dans son ensemble, et je m’engage à utiliser cette influence de manière responsable et positive.

Gil Zetbase

Votre récente exposition monumentale à Dubaï DIFC a connu un immense succès. Pouvez-vous nous en dire plus sur cette exposition et comment elle a contribué à changer votre rapport à vos propres œuvres?

L’exposition monumentale à Dubaï DIFC est une expérience incroyable et transformative pour moi en tant qu’artiste. C’est une occasion unique de présenter mes œuvres dans un lieu prestigieux et de grande envergure, ce qui m’a offert une visibilité internationale et une reconnaissance accrue.

L’exposition à Dubaï DIFC est un succès retentissant, attirant un large public et suscitant un vif intérêt pour mon travail. Cela m’a permis d’entrer en contact avec de nouveaux amateurs d’art, des collectionneurs potentiels et d’autres artistes. L’interaction avec le public et les conversations enrichissantes que j’ai eues lors sur place au début de l’exposition m’ont aidé à mieux comprendre l’impact de mon travail sur les spectateurs et à apprécierl’importance de la connexion émotionnelle entre mes œuvres et le public.

Le fait d’exposer mes œuvres dans un cadre aussi prestigieux, dans un quartier d’affaires, passage incontournable à Dubaï, à deux pas des sites touristiques et restaurants les plus renommés, m’a également poussée à repousser mes propres limites créatives. J’ai ressenti une responsabilité accrue envers mon art et une volonté de présenter des pièces encore plus captivantes et significatives. L’opportunité de présenter mes œuvres à un public international m’a également poussée à repenser mon approche artistique et à considérer comment mes messages et mes idées peuvent transcender les frontières culturelles et linguistiques.

Cette expérience à Dubaï a également élargi mes horizons en tant qu’artiste. En étant exposée dans un environnement artistique et culturel différent, j’ai pu établir des liens avec d’autres artistes et professionnels de l’art du monde entier, échanger des idées et des perspectives, et élargir mon réseau professionnel.

Dans l’ensemble, cette exposition à Dubaï DIFC a été une étape importante dans mon parcours artistique. Elle m’a permis de grandir en tant qu’artiste, d’élargir ma portée et de développer une nouvelle appréciation pour l’impact de mes œuvres sur le public. Cela m’a également ouvert de nouvelles opportunités et perspectives, renforçant ma détermination à continuer à créer et à partager mon art avec le monde.