Fondée à Paris en 1996, la Galerie Esther Woerdehoff a construit son identité autour de la photographie avant d’ouvrir, depuis plusieurs années, son programme à la peinture, à la sculpture, à la vidéo et aux techniques mixtes. Désormais installée au 6 rue du Trésor, dans le Marais, elle demeure profondément attachée à l’image photographique et à sa capacité de déplacer notre regard. À l’occasion de Paris Photo, du 12 au 15 novembre 2026 au Grand Palais, la galerie présente un ensemble d’œuvres de Sama Alshaibi. Photographie, vidéo et installation composent, chez cette artiste née en Irak, un langage où se croisent le corps, l’exil, la mémoire et les rapports de pouvoir. Nous avons rencontré Esther Woerdehoff pour comprendre ce que représente aujourd’hui Paris Photo pour une galerie qui évolue sans renier son histoire, et pourquoi le travail de Sama Alshaibi s’est imposé pour cette édition.

Votre galerie participe à Paris Photo depuis sa toute première édition. Qu’est-ce que cette foire représente encore de singulier dans votre calendrier et dans votre relation aux collectionneurs ?

Je participe à Paris Photo depuis sa toute première édition, année après année. Cette fidélité m’a permis de constituer une clientèle à la fois nationale et internationale, mais surtout de la fidéliser. Les Français sont particulièrement sensibles à la photographie et possèdent une véritable culture de l’image, ce qui rend les échanges sur la foire particulièrement riches et intenses.

Votre programme s’est ouvert, ces dernières années, au-delà de la photographie. Cette évolution est-elle née de la galerie ou des artistes eux-mêmes ?

Cette évolution est d’abord venue des photographes eux-mêmes. Certains ont commencé à utiliser la photographie comme point de départ pour créer une œuvre qui dépasse le médium : par la peinture, comme Serge Izquierdo ; par des procédés anciens, comme Aassmaa Akhannouch et Sama Alshaibi ; par la broderie, comme Iris Hutegger ; par le découpage, comme Gert Motmans ; ou encore par l’impression sur le béton ou la faïence, comme Thomas Jorion.

Cette transformation d’artistes que l’on appelait autrefois simplement « photographes » m’intéresse profondément. Il s’agit d’aller au-delà d’une définition et de ne plus porter une étiquette sur le dos.

Pourquoi avoir choisi de consacrer votre présentation de Paris Photo 2026 au travail de Sama Alshaibi ?

Dans son nouveau travail, Sama Alshaibi fait référence à l’Épopée de Gilgamesh, le grand récit fondateur de la Mésopotamie. Elle s’y met en scène avec son fils. Ce travail va bien au-delà de la photographie : c’est un récit qui se déploie sur plusieurs niveaux.

Sama est une artiste pluridisciplinaire. Elle réalise des vidéos et des installations, et pratique des procédés d’impression anciens, notamment la photogravure. Elle crée aussi des emboîtements avec des sujets traditionnels issus du monde arabe. Dans son œuvre, aucun détail n’est laissé au hasard.

Une foire de l’ampleur de Paris Photo impose-t-elle de trouver un équilibre entre nécessité commerciale et prise de risque artistique ?

Il existe deux dimensions dans une foire de l’envergure de Paris Photo. La première est commerciale. Les frais sont considérables ; il faut donc pouvoir présenter des valeurs sûres, des œuvres d’artistes reconnus qui ont déjà leurs collectionneurs.

La seconde dimension — et c’est la partie la plus créative — consiste à mettre en scène de nouveaux talents et à permettre leur découverte. Regarder une image, cela s’apprend. La foire doit aussi être un lieu où ce regard peut se former.

Comment présente-t-on une œuvre chargée d’histoire politique et personnelle sans en réduire la force plastique ni l’enfermer dans un commentaire uniquement documentaire ?

Tout commence par l’œil. Les visiteurs réagissent d’abord à une image qui leur plaît spontanément ou qui les intrigue. Le rôle de la galeriste est ensuite celui d’un intermédiaire entre l’œuvre et le collectionneur. Découvrir le secret qui se cache derrière une représentation demande du temps et un accompagnement. Nous sommes présents sur les stands pour aider les visiteurs dans cette démarche, sans jamais leur imposer une lecture unique.

Paris Photo réunit musées, institutions, collectionneurs et amateurs venus du monde entier. Observez-vous aujourd’hui une nouvelle manière de collectionner la photographie et les œuvres hybrides liées à l’image ?

Lors des premières éditions de Paris Photo, on trouvait surtout des images issues de la génération des photographes humanistes. Il existait une véritable soif de posséder une belle photographie — le plus souvent un tirage argentique signé par un nom reconnu.

Aujourd’hui, avec les appareils modernes et même les téléphones, chacun peut produire une belle image. Mais tout le monde n’est pas artiste. Une œuvre d’art possède un secret qu’il faut apprendre à décrypter.

Le marché est devenu plus sélectif. Les éditions trop importantes, les différents formats d’un même sujet et la multiplication des épreuves d’artiste ne correspondent plus à mes exigences. Je n’accepte plus qu’un de mes artistes produise une photographie à plus de cinq exemplaires, généralement dans un seul format. À mon sens, les épreuves d’artiste devraient disparaître du marché commercial.

Votre installation dans le Marais et l’élargissement de votre programme ouvrent une nouvelle étape. Quel dialogue souhaitez-vous créer entre les différents médiums ?

Je souhaite concevoir des expositions dans lesquelles les médiums communiquent entre eux. La photographie, la peinture, la sculpture, la vidéo ou les techniques mixtes ne doivent pas être enfermées dans des catégories étanches. Ce qui m’intéresse, c’est la conversation que les œuvres peuvent instaurer entre elles.

Lorsque les visiteurs quitteront votre stand au Grand Palais, quelle image ou quelle question aimeriez-vous qu’ils emportent avec eux ?

J’aimerais qu’ils aient appris quelque chose. Dire « c’est beau » ne suffit pas. Il faut que quelque chose ait remué leur âme.